舞蹈編導考試必須掌握的專業知識

舞蹈編導考試必須掌握的專業知識

　　舞蹈的編導：就是一個舞蹈作品的編者和導演。那么舞蹈編導到底是什么職業呢?下面一起看看吧!

　　一、舞蹈編導(概述)

　　戲劇導演與舞蹈編導有哪些不同：戲劇導演是把文學劇本搬上舞臺演出過程中所需要的全部工作。但這不是一般的工作，而是一種創造性的工作——即把文學劇本變成表演節目的再創造(也叫二度創造)。

　　在戲劇藝術中，劇作家只負責寫出劇本就可以了。而進行舞臺藝術的再創造(演出)，則是導演的事。在舞蹈藝術中，舞蹈編導本身既是全部劇本和“臺詞”(舞蹈動作)的創作者，又是把它搬上舞臺的導演。肩負著編和導的雙重使命。對舞蹈作品來說，不參加“編”就無法“導”，導演也就是編者。由于舞蹈的特殊性，一個舞蹈創作從一開始就不能不同時考慮，原本是屬于“導演構思”中的很多部分，如：形體、表情、臺詞、場面調度，對作曲、美工和舞美的特殊要求。

　　作為一個舞蹈編導，只有掌握了一定的舞蹈表現技能和舞蹈創作知識以后，才可能開始創作工作。首先，必須透徹地理解舞蹈藝術特征，舞蹈的表現手段和表現手法，舞蹈的類別等，才能掌握舞蹈創作的特殊規律進行編排舞蹈節目，否則將無法入手。

　　二、舞蹈的起源

　　中國的舞蹈藝術歷史是最年輕的，解放初期才真正有了舞蹈的專業工作者。49年以后，上海舞院54年辦從事舞蹈的人女11-13歲，男12-14歲，文化水平低，舞蹈的理論薄弱。

　　舞蹈起源于勞動：在原始社會，遠古的先民們在沒有文字和完善語言之前，就學會了手舞足蹈。如：狩獵、祈禱、戀愛、南朝鮮模仿仙鶴的動作、傣族模仿孔雀的動作等等。后來，為了娛樂，逐漸從勞動中向上層社會發展，如“交誼舞”。勞動生活創造了舞蹈，而舞蹈又用來反映人們的生活、理想和愿望，并為社會服務。沒有社會生活就沒有舞蹈的存在。舞蹈作品的產生，終不是個人意想的產物，是屬于上層建筑的，反映人類社會生活的意識形態，是一切文學藝術的普遍原則，也是舞蹈藝術的普遍原則。

　　三、舞蹈的藝術特征

　　1、舞蹈是人體動作的藝術：舞蹈藝術的主要表現手段是依靠人體的動作。

　　2、在歐美，舞蹈一詞源于高地日耳曼語的DANS這個詞，意即“伸展拔體”。在亞洲，日本、朝鮮都稱舞蹈為“舞踴”。“踴”即跳的意思。我國古代稱上肢體的動為“舞”，下肢體的動為“蹈”，配合起來稱為“舞蹈”。美國現代派舞蹈創始人依莎多拉、鄧肯認為“凡借助身體動作以表達思想感情的創造性活動，都是舞蹈藝術”。因此，舞蹈是人體的造型藝術，舞蹈是通過人體動作表達思想感情的。

　　人們首先做出的反映，往往是情不自禁的動作或伴有聲音的動作。所以，當語言(甚至喊叫)不足以表現人的強烈感情的時候，作為舞蹈的特殊手段——人體動作——卻具有鮮明而又有力的藝術表現能力。舞蹈藝術所要求的人體動作不是自然形態或單純生理狀態的，而是具有特定的時間和空間，經過美化的極富于感情色彩的動作。所以人們把舞蹈的構成歸納為三大要素：即動作(空間)、節奏(時間)、表情(感情)，其中缺一不可�？臻g：舞臺、場地;時間：音樂，一定的時間;舞蹈的藝術特征是在一定的空間和時間內用身體的動作表達感情的藝術。由于這種藝術手段上的特征，也決定了舞蹈是以“抒情”見長的。因此，舞蹈編導要熟習、了解舞蹈的這種特殊手段，揚長避短，選擇適宜于人體動作表現的題材和內容。

　　3、舞蹈的獨特表現手法：舞蹈是以人體動作為藝術手段，為此，它有相應的一套獨特的藝術表現手法。概括起來即：舞蹈的動作(舞姿、動作組合、步法)，舞蹈的隊形、畫面(構圖)和一些啞劇手法(如手勢、面部表情等)須掌握。

　　A、舞蹈動作：舞蹈語言的單字、單詞就是“舞蹈動作”。這種動作不同于生活動作，要有藝術加工的造型性——即“舞姿”。把經過美化的動作和富有造型性的舞姿按需要表達的內容連接起來，就是“動作組合”。連接動作組合的還有“舞蹈步法”，舞蹈步法幫助或突出舞蹈語言的輕重緩急。舞蹈動作更重要的是塑造人物形象。技巧動作也是塑造舞蹈中人物性格或表現特定情節的主要“語匯”。

　　B、隊形、畫面：舞蹈的隊形、畫面，在創作舞蹈的環節中稱為構圖。它是舞蹈表現作品內容、處理情緒變化、連接舞蹈動作和步伐的紐帶。演員在臺上的位置或調度所形成的隊形、圖案稱為舞臺調度。好的隊形就像一幅活動的圖畫。

　　C、啞劇手法：啞劇也是一種不用語言而以人體動作、手勢和面部表情表達劇情的手段。

　　作為舞蹈中的手勢(表情動作)，當然首先來自生活。但同樣需要美化加工、集中概括，能在一個短暫的手勢或姿態中，明確表達一個內容。舞蹈區別于音樂、繪畫、雕塑，是空間的、時間的。舞蹈善于表達人們最激烈的感情。

　　4、是綜合性的藝術：融匯了文學、音樂、美術和戲劇等姊妹藝術的因素。

　　A、舞蹈和文學的關系：在具體創作過程中，無論作品的結構、情節的鋪陳，細節的描繪，人物的刻畫，環境的設置，以及虛實、比擬、夸張、對比等等藝術手法的應用，都需要從文學作品中吸收營養。

　　B、舞蹈和音樂的關系:舞蹈音樂不僅給舞蹈以長度和速度,也促使舞蹈語匯準確、簡練、集中，同時，舞蹈動作的語言性和情緒的發展，深入等，也是借助音樂的旋律、節奏來體現。在舞蹈與音樂的有機結合中，才塑造了完整的舞蹈形象。因此，在舞蹈作品中，音樂和舞蹈共同擔負著刻畫人物形象，表達思想內容的任務。

　　舞蹈的節奏感：不同的節奏可以突出不同的思想情緒。音樂伴奏中的間隙或暫時的停頓，同樣是一種音樂節奏的處。通常突出驚訝和緊張的場面時，成為“啞場”或“靜場”。

　　C、舞蹈和美術的關系：繪畫和雕塑是追求在靜止的造型中獲得動態性的效果。而舞蹈則要求在運動中要有雕塑性的造型。“舞蹈是動的畫、活的雕塑”，“舞蹈家是用人體作畫”。

　　舞蹈編導要將那些自然形態的東西升華到具有美術性的造型上來。像舞蹈的每一個瞬間，盡可能的像繪畫和雕塑那樣，具有強烈的感染力，使舞蹈作品成為一幅幅動的畫、活的雕塑。還包括舞臺美術的創作(如布景、服裝、化裝、道具等)。

　　D、舞蹈和戲劇的關系：舞蹈與戲劇都是舞臺表演藝術，不同的是：戲(歌)劇主要依靠演員的說話或歌唱，而舞蹈則是用元演員的形體動作去完成創造角色的任務。

　　E、既然是綜合藝術，舞蹈同樣與武術、雜技、體操也有密切的關系、在這就不多說。

　　綜上所述，舞蹈是需要音樂、節奏、舞美、燈光、服裝、道具等塑造形象。服裝要符合表現人物的藝術形象和人物性格。

　　四、舞蹈編導的專業修養

　　(一)生活是創作的源泉：舞蹈作品和舞蹈形象的產生也是源于生活，它是取之不盡、用之不竭。例如揚麗萍的舞蹈《雀之靈》既以美麗的孔雀為原形。

　　(二)積累舞蹈素材，豐富舞蹈語匯。

　　(三)積累多方面的藝術知識，豐富想象力：我們說的藝術想象，是基于實際生活之上的想象，隊舞蹈編導來說，是“生活積累”的升華，是一種發展了生活的形象思維，是是生活更理想化，更鮮明的再現藝術上的能力。

　　(四)如何繼承民族舞蹈傳統：不要單學藝術形式，采取拿來主義，要付出挖掘的勞動。

　　(五)繼承傳統的舞蹈的三種創作方式：1 加工整理，2 改編革新，3 借鑒創新。

　　所謂整理就是把仍在民間流傳的舞蹈收集起來，把已失傳的古代舞蹈“循蹤追跡”復原起來，經過去蕪取精的整理，搬上舞臺。改編是在原有民間舞蹈的基礎上推陳出新，使其內容、形式煥然一新。創新則使已民間舞蹈動作為創作素材，表現新內容，塑造新人物的作品。

　　五、舞蹈編導創作、排練的全過程

　　(一)主題和題材：什么是主題?創作者要通過一個舞蹈作品表達什么中心思想，這就是作品的主題(或稱主題思想)。

　　用具體事物、生活情景去表現這個主題思想，這種具體的材料就是“題材”。“主題”就是作品的核心、主體。題材就是具體描寫主題的材料。在舞蹈創作中可以先確定主題，再選擇題材。

　　(二)如何選擇題材：

　　1 什么是題材：就是編導在他所處的客觀現實生活中，經過深入觀察體驗，把那些豐富多采錯綜復雜的種種生活現象，經過分析、選擇、加工，使它們構成文藝作品的核心，也是作品最基本的因素。

　　2 選材的方式：分直接和間接兩種。直接就是發生在身邊的所見所聞所看的事和物。間接的如歷史、神話、寓言、童話、繪畫題材等。

　　3 舞蹈如何選材：要掌握舞蹈藝術創作的特殊規律，就是用舞蹈形象思維的方式，研究分析現實生活中的各種現象，全部依靠舞蹈的自身表現手段，既用身體動作表達感情，特別要注意題材的動感和豐富的感情。

　　選材時還應注意：動作性，既通常所說的“能舞起來的材料”。抒情性，題材要孕育著深厚的感情動力。直觀性，必須是能出現在舞臺上讓觀眾直接看到或聽到的，(如過去和未來，可用暗轉、倒敘等手法)

　　(三) 構思腳本(舞蹈和音樂處理的文字結構)，以突出主題思想為目的，把“題材”概括、提煉，構思成舞蹈的藝術結構，這就是舞蹈的“腳本”，腳本是作品的立腳根本。

　　怎樣結構舞蹈腳本，這點在舞劇的創作中特別重要，從舞劇的結構說起，簡單來說，舞劇的結構可分為：1 引子或序幕：是劇中時代、環境和人物的引入。2 開篇：劇情矛盾沖突的開始，要鮮明而引人入勝。3 發展：劇情展開的過程，這段占有的篇幅較大，情節需要有起伏、轉折方能精彩。4 高潮：是全劇矛盾發展的頂峰，它要激起觀眾最強烈的感受。5 結局：劇情發展的結果，它要最清楚的揭示主題思想。

　　六、舞蹈的結構

　　(一) 什么是結構：簡單說安排作品情節的方法就叫結構。

　　結構舞蹈時，時刻不要忘記用舞蹈的表現手段去考慮，時刻不要忘記是用藝術形式的表現手段和舞蹈動作去處理人物、情節等，否則結構出來的就不是舞蹈，而是歌劇、話劇。

　　(二)結構情緒舞時應注意的問題：

　　A、組織情緒：是把舞蹈感情和情緒有層次的、有邏輯的、有發展的組織起來，創作一個完整的作品。

　　B、安排節奏：依據主題的意圖與思想感情的變化安排舞蹈節奏的變化。

　　C、舞蹈調度：舞蹈動作場面，調度必須有一個核心的全面規劃和布局。根據情緒的起伏、發展，節奏的變化，把動作和畫面組成一個嚴謹的舞蹈結構組織。

　　介紹幾種“情緒舞”的結構：

　　A、三段體結構：(A-B-A)是借鑒音樂的三部曲式而來的。全舞的布局分為三段，A段與B段從情緒、節奏上形成鮮明對比。如：A段是跳躍的快板，B段就是相對平穩的中板或慢板，而A`則是A段的再現或有變化的再現。

　　B、二段體結構：(A-B)

　　C、單段體：(A)(B)，A：快，B：慢。

　　由上可以看出舞蹈編導在構思舞蹈腳本時，除了情節、場次(或段落)外，同時還要想好音樂和舞蹈的處理、布局。如：舞蹈中哪段情節用獨舞、雙人舞去表現哪段用情節性或表演性的舞蹈去表現，每段用什么舞蹈素材等。

　　(三)關于舞蹈中的音樂(創作舞曲)

　　作為綜合性的舞蹈藝術，音樂處在非常重要的地位，有了音樂，才有完整的好舞蹈，所以必須處理好與音樂家的合作。

　　(1)如何與音樂家合作：編導要把自己的創作動機和意圖、構思的過程直至素材的運用，人物形象和場面的設想，舞臺的氣氛和效果等，要非常認真的、帶感情的、繪聲繪色的告訴作曲者，使他好象看到了未來舞臺上出現的情景，產生共同的欲望和想象，同時也聽取他對舞曲創作的想法。要尊重作曲家的意見，在音樂寫成以后，不要隨意亂改和破壞音樂的完整性。

　　(2)編導和作曲者的合作中：

　　A、在舞蹈總布局要求下，應充分發揮作曲者的想象力，保證舞蹈音樂的完整性。優秀的舞曲會進一步啟發編導的想象力，使舞蹈的形象和意境更完美。

　　B、可以和作曲者共同選擇音樂素材，(如采用哪種民族、哪個地區或哪首民歌、哪段曲子等)，切磋音樂形象(如舞蹈的主要旋律、人物的主題、音樂等)，這有利于音樂和舞蹈形象的一致，并且互相啟發。

　　C、對音樂的要求，要通過音樂的專業語言——“音樂表情術語”具體提出來，才能做到舞蹈與音樂節奏的吻合。

　　(3)如何利用現成音樂編舞：

　　A、認真聽，分析音樂，做到盡可能明了原作意圖。

　　B、抓住音樂的主要基調(感情基調)，選取適合此音樂表現的體裁，不要去解釋歌詞。

　　C、選擇適合此音樂主題的動作。

　　七、如何著手編舞呢?

　　1、感情是動作的信息：編舞首先要弄清的是你要表現人物的什么感情和性格，有經驗的編導往往首先按舞蹈結構的線索設計出人物連綿不斷的心情、意識甚至潛臺詞，循者這個脈絡去雕琢動作。而富有演員經驗的編導，就使自己首先進入角色，讓作品中的人物在自己的身上活起來。在深入角色的基礎上，從自己積累的生活舞蹈素材中物色、提煉出此時此地，此情此景所需要的舞蹈形象來。即把體驗感情作為動作的原動力。

　　2、動作的典型性：這是成功之要點。典型的舞蹈動作不是綜合的越寬越好，而是個性越強越好——一要有突出的性格，二要有明晰的感情。人有七情：喜怒哀懼愛惡欲、、、、、、設計舞蹈動作首先要說清楚什么是感情。但人有男女老少，古代和現代，這個民族和那個民族之分，他們表達的感情各異，因此動作還要性格分明。性格包括角色的個性及其民族的風采。

　　3、舞蹈的“意境”：舞蹈的動作不在“繁”與“簡”，能突出“意境”則靈。舞蹈作品的“意境”是把主題思想轉化為“詩情畫意”的藝術構思，是“情”和 “意”與“景”和“境”的統一，是人的理想。“意境”是大局，編舞要從大局著眼，小處(動作)著手，圍繞著動作去考慮動作。

　　4、舞蹈的主題動作：2人以上幾點著眼，首先設計出符合作品中人物(或擬人化)形象的基礎動作來——也有人稱主題動作——即塑造作品舞蹈形象的代表性動作，這種做法在民間舞蹈中是常見的。各地區的民族民間舞蹈跳起來有千變萬化，但總離不開那么幾個最有代表性的動作。它們成為舞蹈作品中“舞蹈語言”(動作組合)的基礎和反復出現的貫穿動作。

　　動作組合要編排得生動、流暢、感人。應注意：

　　A、要有對比性的變化：對比有時間(節奏)上的快與慢，強與弱，延長與短暫等;有空間(造型)上的大與小，高與矮，方(線條凌厲，有棱有角)與圓(柔和，圓潤)，放(伸)與收(縮)，動與靜等。這些對比變化不應是形式上的安排，而是人物內心情感上的促使。如生活中的情緒、、、、、、舞蹈動作的變化也是由此而來。對比性的動作加大了情緒變化的起伏，使各種情感在相對中顯得更鮮明、突出，所以，能使舞蹈語言更生動。

　　B、必要的重復、再現：舞蹈和音樂同屬時間性的藝術，舞蹈雖然還只有空間的形象，但不能象“雕塑”那樣永遠靜止在那兒盡人觀賞。為了使舞蹈形象和“意境”留在觀眾心上，重復、再現手法同樣是不可少的。其做法可有多樣：

　　(1)主題動作貫穿始終。

　　(2)主題動作在不同的情節、段落，不同的節奏下變換出現。

　　(3)主要的舞蹈組合(段落)反復出現。

　　(4)開頭和結尾是同樣的舞蹈處理或“意境”的再現。

　　(5)動作“元素”——在后。

　　5、構圖：構圖是編舞中一個重要組成因素。構圖包括舞臺調度和畫面。構圖是隨著登場人物的行為和感情發展而設計的。沒什么固定的“程式”。關鍵是要通過隊行圖案的變化把舞臺襯托成作品所需要的空間、境界。對于舞臺的構圖，我國傳統審美習慣是“均衡”、“勻稱”。“均衡”就是常說的“不要偏臺”。均衡的構圖有兩種，一種是對稱均衡，一種是不對稱的均衡。“勻稱”是指構圖上不要有死角或多一塊、少一截等感覺。有時也需要不均衡的場面，那是由于強烈的劇情沖突的需要，而造成一種高度驚恐不安的氣氛。

　　不同的構圖會給觀眾留下不同的直感：圓形使人感覺豐滿;方形顯得嚴肅、整齊(但極少用);而三角形介于兩者之間，較靈活，易組成多種圖形的小單位;弧形有縱深的感覺;縱隊有逼近、壓迫的感覺;橫排——平和;斜排——前程遠大。

　　在舞臺調度上：走直線顯得距離近，路途短;走曲線顯得距離較遠，路途長;走“8”字，距離無限，可以從早走到晚;左右橫過，表示眼前發生的事物;自后向前，可造成由遠而近的感覺;“V”字向前，有沖擊、壓力之感;多人“龍擺尾”的隊形，能顯示人群由遠而近、由少聚多的情景;幾列直排的縱橫交*，能增加要渲染的某種氣氛——無論是緊張的、火熱的、戰斗式的;由密集到擴散的隊形，能造成一種占領空間的勢頭;大收大放可造成氣勢、力不可擋的強烈氣氛;忽前、忽后、忽左、忽右的連續調度，給人以動蕩不安、瞬息萬變之感，可表示風浪中行船、心潮起伏的幻覺、激烈的戰斗等等、、、、、、

　　需要說明的是，舞蹈的構圖不能孤立的設計，必須和舞蹈動作組合結合起來，且與服裝、道具也是分不開的。

　　6、選擇演員排練舞蹈：選擇演員時必須考慮(1)是否能擔負起塑造角色所必須的舞蹈技能和技巧。(2)是否吻合或接近角色的身份，性格和外形，(3)符合節目體裁對演員所要求的特色，如：演員是喜劇型的或是悲劇型的，是抒情的還是武打型的等等。

　　確定了演員以后，編導要向演員解剖作品的主題、內容、人物、情節、場次(段落)、圖景，使演員對作品有一個明確的、完整的概念。再進一步分析角色，明確演員的任務后，熟悉舞曲，然后一個個的教動作，一段段的排練(用鋼琴或簡單的樂器伴奏)，直到將全舞完成。

　　A、排練：可先粗排(即搭架子)，或試幾個主要段落。

　　B、讓作曲者進入排練廳看排練。

　　C、當排練中演員進入角色后，他(她)們的體驗、創造是很寶貴的，要啟發運用演員的智慧去進行再創造。一旦演員有了新的創造(包括動作、表情等)，要充分肯定，并根據情況適當修改原設計。

　　D、根據演員的技術條件，揚長避短，隨時設計出能使演員的技巧有充分的使用之地的舞蹈段落。

　　7、合樂：

　　舞臺合成：把排練廳中的作品搬上舞臺是“合成”的階段。合成之前，編導必須向舞臺工作的各方面人員——布景、燈光、服飾、道具、音響效果等，介紹作品內容并提出設計要求，最后確定方案。

　　(1)舞蹈布景要說明作品的時代，創造特定的環境。布景應簡練、明確，一般不用或少用戲劇那樣的實景。

　　(2)舞臺的燈光要顯示舞蹈的時間早晚，天氣變化，吉祥和厄運的預兆，人物內心的渲染等。

　　(3)服飾幫助表明人物身份，民族的屬性，服飾色彩還能突出人物性格。要求輕便而合體，美觀而有特色，夸張而不失真。

　　合成包括：走臺、走光、化妝連排、彩排。

　　A、走臺：是舞臺上的場、景和舞蹈的結合實驗。讓演員熟悉舞臺面和置景的地位，要從頭至尾把舞蹈的調度、隊形、畫面的位置都固定下來。同時，檢查場景與舞蹈的構圖是否協調。

　　舞臺平面圖的九個表演區：

　　B、走光：是燈光設計與舞蹈的實驗。要隨著舞蹈內容的展現和演員的調度把燈光固定下來。

　　C、化妝連排和彩排：都是屬于總合成(包括樂隊、演員、布置、燈光、服裝、化妝、道具、音響效果等)的排練。編導指導化妝連排時，可以隨時停下來，協調舞臺個方面的配合，一段段、一場場的進行，當“合成”完成以后，進行彩排時就要一氣呵成，以便檢查、發現問題，再作進一步的調整。至此，一個舞臺演出的舞蹈作品誕生了。

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